VIDEO BOX 2024
Intimacy: the moments of social skin
UN PROGRAMA COMISARIADO POR YIPEI LEE
Video Box, programa especial sin ánimo de lucro impulsado por la Fundación Swab, da visibilidad a proyectos de video arte originados en territorios con un tejido cultural marcado por la experimentación con este medio y la por suya creciente comunidad de arte emergente.
Para la edición pasada, Video Box puso su foco en el vibrante panorama cultural de Taipéi. En ese momento, Taipéi se erigía como un centro primordial para una comunidad en crecimiento de artistas emergentes de medios digitales. En colaboración, estos artistas emprendieron un proyecto transformador que no solo reflejó el espíritu vanguardista de la nueva generación artística digital, sino que también subrayó el papel influyente que la escena artística emergente de Taipéi estaba desempeñando.
Este esfuerzo tuvo como objetivo encapsular el dinamismo y la creatividad innovadora que emanaba de la región de Taipéi, destacando su profundo impacto en el escenario artístico global. A medida que nos adentramos en el proyecto, logramos desentrañar la rica tela de ideas y expresiones que definieron la narrativa poderosa y convincente del floreciente movimiento artístico de Taipéi.
A través del tema ‘Intimacy: the Moments of Social Skin,’ la exposición se adentró en las fuerzas intangibles de la geopolítica, el género, el poder y la cultura que dieron forma al desarrollo social contemporáneo taiwanés desde la década de 1990. Desmanteló las estructuras sociales y las huellas históricas de la existencia humana a través de la narrativa de imágenes que representaban la nación, la ciudad, la tribu y la familia.
El cuerpo se interpretó como un texto que podía ser leído, con los seres humanos semejantes a la piel y la textura adheridas a la superficie de la sociedad. Ya fuera tradicional o contemporáneo, la existencia y transformación del cuerpo llevaban consigo significados subjetivos y objetivos, expresando de manera directa e indirecta ideologías culturales (y ansiedades), prejuicios raciales, estatus sociales y las identidades de grupos.
El antropólogo Terence Turner acuñó el término ‘piel social’. Este abarca desde ornamentos, peinados, maquillaje, cubiertas, prendas de vestir, tatuajes, piercings y rasguños, hasta culturismo o adelgazamiento, desarrollo muscular y cirugía estética. Ya sea natural o artificial, extremo o aparentemente caprichoso, la piel social tiene un significado para los tiempos en que vivimos y siempre está influenciada y representada por la socialización del comportamiento humano.
Tal y como se muestra, nuestra sociedad es una rica tela tejida a partir de los diversos hilos de diferentes generaciones, cada una reflejando dimensiones únicas de interacción social e identidad. A pesar de coexistir dentro de un entorno vasto e interconectado, a menudo nos encontramos incapaces de comprender completamente su totalidad. Sin embargo, esta misma incompletitud es un aspecto integral de la belleza de la sociedad, ya que encarna el intrincado ritmo de la existencia e interacción humana y la interacción.
Dentro de esta compleja red, las imágenes sirven como valiosos artefactos de lo que podríamos llamar ‘tipología futura’, capturando no solo momentos congelados en el tiempo, sino también insinuando las trayectorias potenciales de nuestro futuro colectivo. A través del uso narrativo de la imaginería en video, los artistas taiwaneses que participan en esta exposición ofrecen perspicaces visiones de los matices del desarrollo regional y global, especialmente en los ámbitos del pluralismo y el estatus social.
A medida que nos acercamos a estas representaciones, nos encontramos cada vez más inmersos en la autenticidad que transmiten, forjando conexiones más profundas con las realidades que retratan. Así, al ser testigos, retratar y conmemorar estos momentos decisivos, contribuimos a una comprensión más rica de la compleja interacción entre individuos, sociedades y los paisajes en evolución de nuestro mundo compartido.
PARTICIPATING ARTISTS
CHEN CHIEH-JEN
WU CHI-TSUNG
HSU CHE-YU
CIWAS TAHOS (ANCHI LIN)
CHEN CHIEH-JEN
Nacido en 1960 en Taoyuan, Taiwán, Chen Chieh-jen actualmente vive y trabaja en Taipei, Taiwán. Desde 1996, ha colaborado con trabajadores desempleados, jornaleros, trabajadores migrantes, esposas extranjeras, jóvenes desempleados y activistas sociales. Con el fin de visualizar la realidad contemporánea y una historia del pueblo oscurecida por el neoliberalismo, Chen emprendió una serie de proyectos de video en los que utilizó estrategias que él llama «re-imaginar, re-narrar, re-escribir y re-conectar» para avanzar en su objetivo de generar disidencia y comenzar un movimiento de segunda ola.
A partir de 2010, Chen comenzó a centrarse activamente en el hecho de que muchas personas en todo el mundo han sido reducidas a trabajar en empleos temporales y han perdido el sentido de la existencia debido al control tecnológico pervasivo de la corporatocracia. Chen se refiere a esta situación casi universal causada por la automatización como «encarcelamiento global» o «exilio en casa». Empleando los métodos budistas de transformar el deseo con el deseo y desintoxicar la ilusión con māyā, considera cómo este control tecnológico generalizado puede ser cambiado cualitativamente.
A Field of Non-Field, 2017
Medio: Single Channel Video
Duración: 61’07”
Bajo el desarrollo de la competencia financiera y el capitalismo tecnológico, que ha desarrollado una manipulación global más penetrante que las formas anteriores de gobierno, no solo más personas están siendo reducidas al estatus de trabajadores “pan-despachados” bajo «encarcelamiento global y exilio local», sino que también es más difícil abrir la estructura del deseo, la estructura sensorial y el pensamiento de las sociedades contemporáneas que han sido abarcadas y penetradas por la tecnología de manipulación global de la era postinternet. Por lo tanto, convirtiendo la supervivencia de las sociedades contemporáneas en un campo de batalla entre sí.
«¿Existe alguna otra salida para los seres humanos? En respuesta a esta difícil pregunta, a la cual no se puede dar una respuesta simple, el artista reconsidera el tema del «vacío» en «Zhongguang Xue» creado por Avalokiteshvara, y pone en práctica el método del «Camino Medio» con su espíritu de multi-dialecticismo. Con el fin de encarnar y practicar cómo establecer otras epistemologías, modos de pensamiento y valores de vida en un mundo que está abarcado y penetrado por la tecnología para cambiar cualitativamente la forma de vida. Este es uno de los caminos para cambiar cualitativamente la tecnología de manipulación global.».
Wu Chi-Tsung
Wu, Chi-Tsung nació en 1981 en Taipei. Obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Artes de Taipei en 2004. Actualmente vive y trabaja en Taipei, Taiwán, y Berlín, Alemania. Su trabajo, en el que presta gran atención a los métodos utilizados en la producción e interpretación de imágenes, abarca diferentes medios, incluyendo fotografía, video, instalaciones artísticas, pintura y diseño de escenografía. Combina tradiciones y formas de arte contemporáneo de Oriente y Occidente. Objetos y fenómenos cotidianos son una gran inspiración para su trabajo, que transforma en imágenes poéticas. Ha recibido el premio principal del «Premio de Arte de Taipei» (2003), el «Bienal de Arte Multimedia WRO» (2013) – Premio de Críticos y Editores de Revistas de Arte, el «Premio de Arte en Tinta Liu Kuo Sung» (2019), estuvo preseleccionado para el «Artes Mundi» (2006), y los «Premios Prudential Eye» (2015).
Sus obras recientes se exhibieron en el Museo de Arte Asiático en San Francisco, EE. UU.; en la 9ª Bienal de Urbanismo y Arquitectura de Hong Kong y Shenzhen (Shenzhen). Su Serie Cyano-Collage fue destacada en la colección de alta costura FW23 de Shangxia, que debutó en la Semana de la Moda de París.
El punto central de su trabajo creativo siempre ha sido una discusión sobre la naturaleza real de las imágenes; cómo son producidas, percibidas por los espectadores y el impacto que tienen. Sin embargo, la forma en que esto se lleva a cabo nunca ha sido particularmente disciplinada o científica, se asemeja más a algo similar a un juego. A veces experimenta con solo una parte, o intercambia algunos de los elementos para ver qué cambios provoca en la creación de imágenes y si hay algo de interés oculto en su interior.
Gran parte de la profundidad de la ilusión creada por imágenes proviene del punto único de perspectiva. En otras palabras, todas las líneas rectas que no son paralelas a la imagen desaparecen en algún punto en la distancia, casi como si el espacio fuera absorbido por un agujero sin fondo. Fue este punto de vista el que lo hizo preguntarse cómo sería el mundo visible si no hubiera punto de desaparición.
«Supongo que sería realmente plano».
PERSPECTIVE VIDEO 001, 2008
Medio: Single Channel Video
Duración: 06’07”
Hsu Che-Yu
Hsu Che-Yu (n. 1985) es un artista con base en Taipei y Ámsterdam. Anteriormente, Hsu obtuvo un máster en el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Artes de Tainan (Taiwán). Desde 2019, ha participado en diferentes programas de residencia. Hsu Che-Yu trabaja como artista que principalmente crea animaciones, videos e instalaciones que exploran las relaciones entre los medios y los recuerdos. Lo que importa al artista no es simplemente la historia de eventos rastreables a través de los medios, sino también la construcción y visualización de recuerdos, ya sean privados o colectivos.
Hsu ha tenido exposiciones individuales en la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2023), Centre d’Art Contemporain Genève (2023), Vernacular Institute (Ciudad de México, 2023), Museo de Bellas Artes Kuandu (Taipéi, 2023, 2012), Galería Liang (Taipéi, 2022), Galería Vanguard (Shanghái, 2020), Museo de Bellas Artes de Taipéi (2015), Sociedad para las Artes y la Tecnología SAT (Montreal, 2012). Ha participado en el Theater der Welt (Fráncfort, 2023), Bienal de São Paulo (2021), Bienal de Mediacity de Seúl (2021), programa público cuadrienal Sonsbeek20→24 (2021), Técnicas de Conversión (Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, 2021), VIDEONALE.18 (2021).
Un intérprete de marionetas de guante reinventa y recrea los movimientos de un conejo muerto, que terminó su vida en un laboratorio. Rabbit 314 cuestiona la manipulación y apropiación de los animales por parte de los humanos. El proyecto se inició con la muerte de un conejo de laboratorio y se inspiró en los recuerdos familiares de la artista. La abuela de la artista trabajó en un laboratorio de animales durante treinta años, durante los cuales, debido a la particularidad de su trabajo, tuvo que diseccionar animales vivos para su observación y experimentación.
Rabbit, 314, 2020
Medio: Single Channel Video
Duración: 7’17»
Ciwas Tahos (Anchi Lin)
Ciwas Tahos (Anchi Lin) es una artista visual de ascendencia Atayal/Itaṟal y Hō-ló taiwanés. La práctica centrada en el cuerpo de Ciwas entrelaza la cosmovisión indígena Atayal a través de la performance, imágenes en movimiento, ciberespacio, cerámica e instalaciones cinéticas para reclamar un espacio queer autodeterminado. Su trabajo es una exploración de la identidad cultural y de género, utilizando su cuerpo como medio para rastrear experiencias lingüísticas y culturales de desplazamiento en busca de nuevas formas de comprensión. El proyecto artístico más notable de Ciwas es «mgluw tuqiy na Temahahoi» (Encontrando Caminos hacia Temahahoi). Completó una maestría en Bellas Artes en Arte de Nuevos Medios en la Universidad Nacional de Artes de Taiwán en 2024 y una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Simon Fraser en Canadá en 2015.
Más recientemente, Ciwas presentó su obra en Arts House en Naarm (Melbourne) y en el Simposio Internacional de Arte Electrónico (ISEA) en Brisbane, Australia. Fue galardonada con el Premio Bienal del Pulima Art Award y fue seleccionada como la primera artista para el Programa de Intercambio Artístico de Amistad Australia-Taiwán para el Año 2023. En 2023, su trabajo fue exhibido en el Festival de Artes Electrónicas de 2023 en Austria, la Trienal de Arte Austronesia de Taiwán y Proto-zone13 en Shedhalle en Suiza.
«Pswagi Temahahoi» conecta diferentes métodos de imaginación artística para explorar el espacio de Temahahoi; es la narración oral entre el pueblo Atayal de un lugar donde solo viven mujeres y personas no conformes con el género que pueden comunicarse con las abejas y quedar embarazadas por el viento. Este trabajo en video combina documental y performance audiovisual para tejer una pieza de instalación híbrida.
El documental sigue el camino tomado por el Anciano Atayal Yumin, quien utiliza una técnica llamada pswagi, utilizando la luz del sol como una herramienta corporizada para rastrear las ubicaciones de las colmenas de abejas silvestres y también como una forma de encontrar Temahahoi, junto con una pieza de performance escenificada con un instrumento cerámico inventado y ensamblado por él mismo, el viento (aliento) soplando desde los cuerpos queer entra en el instrumento cerámico sin género para reubicar el espacio fluido de Temahahoi a través del sonido.
Pswagi Temahahoi, 2022
Medio: Single Channel Video
Duración: 12’00” Edition:1/4
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