Ephemeral 2020

SIN LA RED, LA SOPA QUÍMICA NO TIENE VIDA

Comisariado por Caterina Almirall y con la colaboración de las Fábricas de Creación de Barcelona: Hangar, La Escocesa y Fabra y Coats.

Ephemeral es un programa site-specific que trabaja a partir de proyectos instalativos que ocupan el espacio del pabellón italiano en Montjuic. Buscando la interacción del público con las piezas, se concentra sobre todo en la especificidad del espacio que ocupa, así, la materialidad, la luz, o el sonido, son elementos con los cuales se desarrolla. Este año no tendría que ser diferente, pero con la singularidad que el espacio en el que se sitúa la feria Swab 2020 es un espacio virtual.

Las artistas que participan este año a Ephemeral presentan trabajos específicos para este espacio virtual, pensados para ser desarrollados en un entorno web y experimentados a través de la pantalla de tu iPad u ordenador. No se trata por lo tanto de adaptaciones de trabajos instalativos al formato virtual, sino de intervenciones pensadas en especificidad del entorno digital y las herramientas que este nos ofrece. A la vez que buscan generar reflexión y pensamiento crítico sobre los efectos que este entorno ejerce en las maneras de trabajar, de relacionarnos entre nosotros y con las obras, efectos que tienen una repercusión directa en las dinámicas de trabajo y en las propias obras. El programa quiere generar una reflexión sobre cómo afecta esta situación a las artistas que trabajan hoy en la ciudad de Barcelona, sobre las condiciones de trabajo y como estas se ven afectadas por una mayor presencia de las interacciones en el medio virtual a raíz del aislamiento y del distanciamiento social al que nos hemos visto abocados como consecuencia de la reciente crisis socio-sanitaria.

“Cuando se establece una red, la podemos considerar un individuo. Sin embargo, el carácter de ese individuo se define por una colección de relaciones, no por la presencia estable de una identidad molecular o un código genético concretos. (…) De modo que la vida presenta una dualidad contradictoria y creativa en su naturaleza: es átomo o red; no es ninguno de los dos y es ambos. No es una característica metafórica; se trata de la característica esencial de la vida. La vida está a caballo entre dos estados de existencia y de ese modo anima lo que era un universo muerto.” (David Haskell, 2017)

La “red” que encontramos en el título del programa, Sin la red, la sopa química no tiene vida, extraída del libro de Haskell, se refiere en la red de conexiones y relaciones que hacen del planeta un organismo vivo, no se refiere a internet, ahora proponemos trasladar la reflexión al ámbito que nos ocupa para hacer de este el motivo y el medio. En la paradoja de la red, ésta nos conecta y nos individualiza a la vez, y difumina los límites entre una realidad orgánica situada, y una de descorporizada global. Y si estamos aprendiendo a reconocer los efectos de una en la otra, este programa nos propone pensar en los efectos de la condición virtual y de sus solapamientos desde las prácticas artísticas contemporáneas, a partir de unos trabajos que hacen énfasis en diferentes aspectos de esta situación: sociales, económicos, materiales, plásticos, orgánicos y ecológicos.

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Maria Alcaide – Blogger Affair, 2019

www.mariaalcaide.com

Vídeo instalación 9,54 min

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Maria Alcaide Blogger Affair Videoframe

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Blogger Affair consta de un video y una instalación, parte del fenómeno del auge de internet como medio de trabajo y de difusión, como dinámicas de transformación de los modos de trabajo en la hiper-visibilidad contemporánea. Situada en el estand virtual de la feria, responde al viraje hacia las plataformas digitales y la virtualidad, el mismo lugar cabe donde dirige la perspectiva crítica que propone, tanto desde el lenguaje estético y plástico, como en el contenido de la investigación basadas en la propia experiencia.

Partiendo de la premisa que “artistas y influencers no son tan diferentes”, la artista María Alcaide se convierte en la influencer “la materialista”. Despliega estrategias y consejos propias de la sociedad del espectáculo y del mundo de la hipervisibilidad, tips para sobrevivir en un mundo de followers, branding y éxito. Blogger Affair es una crítica que utiliza los propios medios y registros de aquello que critica, a la manera de la crítica institucional, trasladada a una TedTalk, a un video-clip y a las formas de un diario íntimo viral propios del personaje. A la vez que la artista performativiza el trabajador cultural, en el marco de lo que Richard Florida denominó la “Culture Class”, vestida con los monos de trabajo de los astilleros del puerto de Bilbao antes de acontecer hub cultural, nos habla entre seductora y embaucadora de la realidad diaria que implican las dinámicas de precarización y auto-explotación en la que viven y trabajan los artistas jóvenes.

La instalación reproduce un espacio confortable, de iluminación cuidada, y colores agradables, que traslada al espacio expositivo el tono del video, e incluye uno de los elementos de la colección de moda de la influencer que aparece al video, una pieza de bisutería barata en forma de collar de colgantes con la palabra “underpaid” decorando con letras brillantes el ornamento.

María Alcaide (Aracena, 1992) es graduada en Bellas artes por la Universidad de Sevilla, cursó sus estudios en artes plásticas en la universidad París VIII y tiene un máster de investigación en Arte y Diseño por Herramienta-UAB en Barcelona. Su trabajo como investigadora se ha presentado en entornos académicos y de investigación como la École des Hautes Études en Sciences Sociales (París), en la Universidad Der Künste (Berlín), la Universidad Complutense de Madrid o la Fundación Tapias (Barcelona).

Ha participado en varias exposiciones colectivas en el Centro de Arte Complutense, CAAC, Can Felipa, LOOP Barcelona con Espacio Colona, ​​galería Fran Reus o a la BlueProject Foundation. Ha recibido el premio de creación de la Sala de Arte Joven y la beca INJUVE y ha realizado residencias a La Escocesa y Bilbaoarte. A nivel internacional, ha mostrado su trabajo en Helsinki (Muu Kaapeli), Berlín (ACUD, Fibre Festival) o San Francisco (EAS, Reed College). Ha sido premiada a Jeune Creación y Salón de Montrouge 64 (París) y también ha disfrutado de varias residencias en Berlín (Agora Collective), Leipzig (LeFugitif) o lo Sáhara Occidental (Artifariti), entre otros.

Investiga las relaciones estéticas y de poder que se dan en su entorno, dando visibilidad a objetos y personas que en su naturaleza son precarios, materializados a través de medios como la instalación o la performance. Su metodología se próxima a la antropología pues parte del extrañamiento para llegar a la solución plástica, pero lejos de tomar una posición de observadora, introduce su cuerpo como eje central de su trabajo.

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Paula Bruna – Vivo. Objeto. Virtual, 2020

http://www.paulabruna.com

Vídeo e instalación

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Versión 2

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En un espacio invadido por la vegetación, Paula Bruna nos relata la convivencia entre el reino vegetal y la vida social y cultural. El trabajo de Paula Bruna toma como referencia conceptos de la ecología y la economía ecológica y pose de manifiesto la fragilidad de esta convivencia que a menudo entra en colapso, siendo este un elemento central de su obra. La idea del colapso, puede llevar a la ruina y la catástrofe, pero también a la aparición de nuevas forma de vida y de convivencia donde aparecen nuevas estructuras.

A menudo su material de trabajo son cultivos de semillas que implican una atención muy específica hacia la cura de los organismos vivos y una relación de reciprocidad con el contexto donde se ubica. La obra que presenta a Ephemeral es el relato de experiencias previas de trabajo en instituciones artísticas donde, la exposición de su trabajo revela, más allá de las condiciones ambientales de los espacios expositivos, la dificultad de la supervivencia de los vegetales en un ambiente hostil, tanto ambientalmente como por la aparente incomprensión entre dos ecosistemas: el artístico y el botánico. Frágiles y vulnerables, los cultivos colapsan, y revelan así una situación y un determinado funcionamiento del espacio expositivo.

A pesar de la imposibilidad de cultivar plantas en un entorno virtual, en la forma poética que es habitual en su trabajo, las plantas invaden el espacio de la feria, y, una vez más, señalan las consecuencias de estas transformaciones, y de la vida en peligro constante. Si hay vida después de la muerte, es en un espacio virtual, y, como diría Haskell, no es eterna.

Paula Bruna (Barcelona, ​​1978) es licenciada en Ciencias Ambientales y Máster en Ecología Terrestre por la Universitat Autònoma de Barcelona, ​​y graduada en Bellas artes por la Universitat de Barcelona. Ha trabajado en investigación en ecología y cambio climático y en políticas ambientales y sostenibilidad. Actualmente es doctoranda del programa de doctorado de Estudios Avanzados en Producciones Artísticas de la Facultad de Bellas artes de la Universitat de Barcelona.

Desde esta doble perspectiva como ambientóloga y artista, Paula utiliza la investigación artística como una forma de conocimiento en la cual se hibridan diferentes disciplinas. Actualmente trabaja en una narrativa sobre la Antropocè desde un punto de vista no humano, mediante una combinación de ciencia, ficción y arte. Su hipótesis es que explorar puntos de vista diferentes al actual antropocentrismo tiene efectos en la conciencia ecológica y abre la gamma de posibles formas de convivencia. Los resultados de su investigación artística han sido presentados en congresos, publicaciones, talleres (UAB, Hangar, La Escocesa, Calafou, Centro de Carme de Cultura Contemporánea…) y acontecimientos artísticos y exposiciones (Artes Santa Mònica, Kunstraum Lakeside, Hangar, CCCB, CAN Farrera, entre otros). El año pasado obtuvo la Beca para la creación artística Guasch-*Coranty y la Beca de investigación y experimentación La Escocesa, y ha estado artista residente a Hangar (2017-2020).

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Eulàlia Garcia VallsEnvà, 2020

www.eulaliagarciavalls.com

Intervención arquitectónica y pieza sonora

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Enva Eulalia Garcia Valls 2020

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La obra de Eulàlia Garcia Valls genera un solapamiento conceptual entre el espacio virtual de la feria y el puesto de trabajo del artista, por medio del traslado de un elemento arquitectónico del taller, el tabique que separa su taller del del lado a su residencia de Hangar, al estand que le ha sido asignado. Un tabique es una pared delgada que sirve para separar y distribuir un espacio interior, es un elemento delimitador y no estructural, y no soporta ningún peso. La presencia del tabique al espacio virtual, perdida su función arquitectónica, lo convierte en un objeto escultórico que nos recuerda que la arquitectura, en el espacio virtual, cumple unas funciones diferentes y más ambiguas. La arquitectura virtual de los estands y la intervención artística comparten la función de recrear y simular su referente.

La intervención incluye también una pieza sonora, la grabación del sonido del espacio de trabajo del artista que coincide con la idea de la recreación y también nos señala la ausencia de elementos ambientales: el aire, el sonido, la temperatura… La contraposición entre el espacio expositivo y el espacio de trabajo hace pensar en las distancias en colapso… cómo si de repente se abriera la posibilidad que a la otra banda del tabique del taller haya el pabellón ferial, o bien, que detrás el tabique presente a la feria haya el taller del artista, e incluso podríamos pensar que es una propuesta que solo puede existir precisamente en la versión virtual del mundo, en el cual el tabique es a ambos lugares a la vez.

Eulàlia Garcia Valls (Barcelona, 1992) es graduada en Artes y Diseño en la Escuela Massana (Barcelona) y actualmente es residente en el centro por la investigación y la producción artística de Hangar (Barcelona, del 2019 a 2021). Recientemente ha sido seleccionada para formar parte de la BIAM 2020 (Bienal de Arte Ciudad de Amposta), es finalista del Premio Miquel Casablancas 2020 (en la modalidad de proyecto) y ha obtenido una de las becas para la investigación y la innovación en los ámbitos de las artes visuales de la OSIC, también de este año. El 2019 ganó el premio en modalidad de creación de la Sala de Arte Joven, con el proyecto “Instalar un falso techo.”

Anteriormente ha sido residente a De Ateliers (Ámsterdam, del 2017 a 2019), a Fabra y Coats (Barcelona, del 2015 al 2016) y al Estruch (Sabadell, en 2014, con el colectivo Placa Turca). Las últimas muestras donde ha participado son “TRAFIC” (Barcelona), “speak, memory” (W139, Ámsterdam), “Rooms of Now #2” (Middelburg, Vleeshal), “Once a Closely Guarded Secreto” (De Ateliers, Ámsterdam), y “ 4: Colapso. Instalar un falso techo” (Sala de Arte Joven, Barcelona). Otras exposiciones anteriores han sido “Apertus 01: The ass between two chairs” (Galería Àngels Barcelona, Barcelona), “Adiós al rombo” (Casa Encendida, Madrid), “En proceso” (Fabra y Coats – Fábrica de creación, Barcelona), “Transportas Placa Turca” (Festus, Torelló), “Seis artistas se cierran en el Centro Cívico San Andreu” (CC San Andreu, Barcelona), “Matters in the Dark” (TENT, Róterdam), entre otros.

Su práctica se constituye a través del concepto del add-donde, de gestos e intervenciones que buscan tensar la relación que hay entre el contexto donde se sitúan y el comportamiento que adoptamos dentro de él. Son transformaciones poco perceptibles que quieren provocar un estado de replanteamiento, negociación e incomodidad entre los elementos involucrados en el entorno donde las plantea. Trabaja a partir de aquello existente, con propuestas inmersivas, específicas en relación a la temporalidad y el lugar donde lleva a cabo cada proyecto.

Referencias: David George Haskell (2017) Las canciones de los árboles. Uno viaje miedo las conexiones de la naturaleza. Turner Noema. (p. 59-60)

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