VIDEO BOX
UN PROGRAMA COMISSARIAT PER YIPEI LEE
Vídeo Box, programa especial sense ànim de lucre impulsat per la Fundació Swab, es planteja com una plataforma per a la visibilitat del videoart dins la fira. Entenem el vídeo com un territori de recerca, on convergeixen múltiples narratives i temporalitats. En integrar-lo en aquest context, ampliem el seu abast i reforcem la importància d’incorporar les pràctiques digitals en els circuits del mercat de l’art, explorant les seves possibilitats de projecció, preservació i experimentació en el present.
IntimACY: THE moments OF social SKIN
Video Box, programa especial sense ànim de lucre impulsat per la Fundació Swab, dóna visibilitat a projectes de video art originats en territoris amb un teixit cultural marcat per l’experimentació amb aquest mitjà i la per seva creixent comunitat d’art emergent.
Per a aquesta passada edició, Video Box ha posat el seu focus en el vibrant paisatge cultural de Taipei. En l’actualitat, Taipei s’erigeix com un centre de referència per a una creixent comunitat d’artistes de mitjans digitals emergents. En col·laboració, aquests artistes embarcaran en un projecte transformador que no només reflecteix l’esperit avantguardista de la nova generació artística digital, sinó que també subratlla el paper influent que està exercint actualment l’escena artística emergent de Taipei.
Aquest esforç pretén encapsular el dinamisme i la creativitat trencadora que emana de la regió de Taipei, posant de manifest el seu profund impacte en l’escena artística global. Aprofundint en el projecte, ens anticipem a desentranyar el ric tapís d’idees i expressions que defineixen la narrativa poderosa i convincent del creixent moviment artístic de Taipei.
A través del tema ‘Intimacy: the Moments of Social Skin‘, l’exposició s’ha endinsat en les forces intangibles de la geopolítica, el gènere, el poder i la cultura que han configurat el desenvolupament social contemporani taiwanès des de la dècada de 1990. Desmantella les estructures socials i les empremtes històriques de l’existència humana a través de la narrativa d’imatges que representen la nació, la ciutat, la tribu i la família.
El cos s’interpreta com un text que es pot llegir,i l’ésser humà com la pell i textura adherides a la superfície de la societat. Ja siguin tradicionals o contemporànies, l’existència i transformació del cos tenen significats subjectius i objectius, expressant directament i indirectament ideologies culturals (i ansietats), prejudicis racials, estatus socials i identitats de grups.
L’antropòleg Terence Turner va acunyar el terme ‘pell social’. S’estén des d’ornamentacions, pentinats, maquillatge, tapissos, roba, tatuatges, pírcings i ratllades, fins a muscular o aprimar-se, el desenvolupament muscular i la cirurgia estètica. Ja sigui natural o artificial, extrema o aparentment capritxosa, la pell social és significativa per als temps que vivim i sempre està influenciada i representada pel comportament en societat.
Tal i com es mostra, la nostra societat és un ric tapís teixit a partir dels diversos fils de diferents generacions, cadascun reflectint dimensions úniques d’interacció i identitat social. Tot i coexistir en un entorn vast i interconnectat, sovint ens veiem incapaços d’entendre’l completament. Tanmateix, aquesta incompletedat és un aspecte integral de la bellesa de la societat, ja que encarna el ritme intricat de l’existència i la interacció humanes.
Dins d’aquesta intricada xarxa, les imatges serveixen d’artefactes inestimables del que podríem anomenar “tipologia de futur”, que captura no només els moments congelats en el temps, sinó també les potencials trajectòries del nostre futur col·lectiu. A través de l’ús narratiu d’imatges de vídeo, els artistes taiwanesos que han participat en aquesta exposició ofereixen una visió commovedora dels matisos del desenvolupament regional i global, especialment en els àmbits del pluralisme i l’estatus social.
A mesura que ens acostem a aquestes representacions, ens trobem cada vegada més immersos en l’autenticitat que transmeten, forjant connexions més profundes amb les realitats que retraten. Així, en testimoniar, retratar i commemorar aquests moments fonamentals, contribuïm a una comprensió més rica de la complexa interacció entre individus, societats i els paisatges en evolució del nostre món compartit.
ARTISTES PARTICIPANTS
CHEN CHIEH-JEN
WU CHI-TSUNG
HSU CHE-YU
CIWAS TAHOS (ANCHI LIN)
CHEN CHIEH-JEN
Nascut el 1960 a Taoyuan, Taiwan, Chen Chieh-jen viu i treballa actualment a Taipei, Taiwan. Des de 1996 col·labora amb treballadors desocupats, treballadors de dia, treballadors migrants, cònjuges estrangers, joves desocupats i activistes socials. Per tal de visualitzar la realitat contemporània i la història d’un poble enfosquit pel neoliberalisme, Chen es va embarcar en una sèrie de projectes de vídeo en els quals utilitza estratègies que anomena “re-imaginar, re-narrar, reescriure i reconnectar” per avançar en el seu objectiu de generar dissidència i iniciar un moviment de segona onada.
A partir de 2010, Chen va començar a centrar-se activament en el fet que moltes persones de tot el món s’han vist obligades a treballar en llocs temporals i han perdut el sentit de l’existència a causa de la tecnologia de control omnipresent de la corporatocràcia. Chen es refereix a aquesta situació gairebé universal causada per l’automatització com a “empresonament global” o “exili intern.” Emprant els mètodes budistes de transformar el desig amb el desig i desintoxicant la il·lusió amb el māyā., considera com aquesta tecnologia de control omnipresent pot canviar qualitativament.
A Field of Non-Field, 2017
Mitjà: Single Channel Video
Durada: 61’07”
Sota el desenvolupament de la competència financera i el capitalisme tecnològic, que ha desenvolupat una manipulació global més penetrant que les formes anteriors de governança, no només s’està reduint més gent a la condició de treballadors “pan-despatxats” sota “empresonament global i exili local”, sinó que també és més difícil obrir l’estructura del desig, l’estructura sensorial i la manera de pensar de les societats contemporànies que han estat englobades i penetrades per la tecnologia de manipulació global de l’era post-internet. Això porta la supervivència de les societats contemporànies l’una per l’altra al camp de batalla.
“Hi ha alguna altra sortida per als éssers humans? En resposta a aquesta pregunta difícil, a la qual no és possible una resposta senzilla, l’artista repensa el tema del “buit” en “Zhongguang Xue” creat per Avalokiteshvara, i posa en pràctica el mètode “Middle Way” amb el seu esperit de multidialecticisme. Per tal d’encarnar i practicar com establir altres epistemologies, modes de pensament i valors de la vida en un món que s’engloba i penetra per la tecnologia per canviar realment la forma de vida. Aquesta és una de les maneres de canviar qualitativament la tecnologia de manipulació global.
Wu Chi-Tsung
Wu, Chi-Tsung va néixer el 1981 a Taipei. Wu va rebre el seu Bachelor of Fine Arts de la Universitat Nacional de les Arts de Taipei el 2004. Actualment viu i treballa a Taipei, Taiwan i Berlín, Alemanya. La seva obra, en la qual dedica una gran atenció als mètodes utilitzats en la producció i interpretació d’imatges, s’estén a través de diferents mitjans, incloent fotografia, vídeo, instal·lació artística, pintura i escenografia. Combina tradicions i formes d’art contemporani d’Orient i Occident. Els objectes i fenòmens quotidians són una gran inspiració per a la seva obra, el que transforma en imatge poètica. Va rebre el premi més important del “Taipei Arts Award” (2003), el “WRO Media Art Biannual” (2013) – Premi de Crítics i Editors de Revistes d’Art”, el “Liu Kuo Sung Ink Art Award” (2019), preseleccionat per l’”Artes Mundi” (2006) i els “Prudential Eye Awards” (2015).).
Les seves obres d’art recents van exposar al Museu d’Art Asiàtic de San Francisco, EUA; la 9a Biennal d’Urbanisme de Hong Kong i Shenzhen Bi-City (Shenzhen). La seva sèrie Cyano-Collage va ser presentada a la col·lecció de costura FW23 de Shangxia, que va debutar a la Setmana de la Moda de París.
El lloc central del seu treball creatiu ha estat sempre una discussió sobre la naturalesa real de les imatges; com es produeixen, com són percebudes pels espectadors i l’impacte que tenen. No obstant això, la forma en què s’executa mai ha estat especialment disciplinada o científica, s’apropaa alguna cosa més semblant a un joc. De vegades experimenta amb una sola part, o intercanvia alguns dels elements per veure quins canvis provoca en la creació d’imatges i si hi ha res d’interès amagat al seu interior.
Una gran part de la profunditat de la il·lusió creada per fotografies o imatges prové d’un únic punt de vista. En altres paraules, totes les línies rectes no paral·leles a la imatge desapareixen en algun punt de la distància, gairebé com si l’espai fos xuclat en un forat sense fons. Va ser aquest punt de vista el que li va fer preguntar-se com seria el món visible si no hi havia cap punt de desaparició.
«Suposo que seria realment pla.»
PERSPECTIVE VIDEO 001, 2008
Mitjà: Single Channel Video
Durada: 06’07”
Hsu Che-Yu
Hsu Che-Yu (Nova York, 1985) és un artista resident a Taipei i Amsterdam. Anteriorment, Hsu va obtenir un màster de l’Institut de Postgrau d’Arts Plàstiques de la Universitat Nacional d’Arts de Tainan (Taiwan). Des de 2019, ha participat en diferents programes de residència que Hsu Che-Yu treballa com a artista que principalment crea animacions, vídeos i instal·lacions que recullen les relacions entre els mitjans i els records. El que importa a l’artista no és simplement la història d’esdeveniments traçables a través dels mitjans de comunicació, sinó també la construcció i visualització de memòries per HSU Che-Yu, ja siguin privades o col·lectives.
Hsu compta amb exposicions individuals a la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2023), Centre d’Art Contemporain Genève (2023), Institut Vernacular (Ciutat de Mèxic, 2023), Museu Kuandu de Belles Arts (Taipei, 2023,2012), Galeria Liang (Taipei, 2022), Galeria Vanguard (Shanghai, 2020), Museu de Belles Arts Taipei (2015), SAT Societat d’Arts i Tecnologia (Montreal, 2012). Ha participat al Theater der Welt (Frankfurt, 2023), Bienal de S.o Paulo (2021), Seoul Mediacity Biennale (2021), Sonsbeek202424 Quadrennial public program (2021), Techniques of Becoming (Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, 2021), VIDEONALE.18 (2021).
Un intèrpret de marionetes de guant reinventa i recrea els moviments d’un conill mort, que va acabar la seva vida en un laboratori. Rabbit 314 qüestiona la manipulació i apropiació dels animals per part dels humans. El projecte es va iniciar amb la mort d’un conill de laboratori i es va inspirar en els records familiars de l’artista. L’àvia de l’artista va treballar en un laboratori d’animals durant trenta anys, durant els quals, a causa de la particularitat del seu treball, va haver de disseccionar animals vius per a la seva observació i experimentació.
Rabbit 314, 2020
Mitjà: Single Channel Video
Durada: 7’17”
Ciwas Tahos (Anchi Lin)
Ciwas Tahos (Anchi Lin) és un artista visual d’ascendència atayal/itaalal i d’asctaiwanesa Hló-ló. La pràctica centrada en el cos de Ciwas teixeix la visió del món indígena Atayal a través de la performance, les imatges en moviment, el ciberespai, la ceràmica i la instal·lació cinètica per reclamar un espai queer autodeterminat, el seu treball és una exploració de la identitat cultural i de gènere, utilitzant el seu cos com a mitjà per traçar experiències lingüístiques i culturals de desplaçament per buscar noves formes d’enteniment. El projecte artístic més notable de Ciwas és mgluw tuqiy na Temahahoi (Trobant camins cap a Temahahoi), va completar un MFA en New Media Art a la Universitat Nacional de les Arts de Taipei (Taiwan) el 2024 i un BFA en Art Visual a la Universitat Simon Fraser (Canadà) el 2015.
Més recentment, Ciwas va presentar el seu treball a Arts House a Naarm (Melbourne), i el Simposi Internacional d’Art Electrònic (ISEA) a Brisbane, Austràlia. Va ser guardonada amb el Premi Bianual d’Art Pulima i va ser seleccionada com a Artista inaugural per a l’Associació d’Intercanvi d’Arts de l’Any de l’Amistat d’Austràlia-Taiwan per al 2023. El 2023, la seva obra va ser exposada al Festival Arts Electronica d’Àustria de 2023, a la Triennal d’Art Austronesià de Taiwan i a Proto-zone13 a Shedhalle a Suïssa.
Pswagi Temahahoi connecta diferents mètodes d’imaginació artística per explorar l’espai de Temahahoi; és una narració oral entre persones atayals d’un lloc on només viuen dones i persones no conformes de gènere que poden comunicar-se amb les abelles i quedar embarassades pel vent. Aquest treball de vídeo combina la performance documental i audiovisual per teixir una peça híbrida de videoinstal·lació.
El documental segueix el camí pres per Atayal Elder Yumin, que utilitza una tècnica anomenada pswagi, utilitzant la llum del sol com una eina encarnada per rastrejar les localitzacions dels ruscs d’abelles salvatges i també com una manera de trobar Temahahoi, juntament amb una peça escènica amb un instrument de ceràmica autoinventat i muntat, el vent (brea) que bufa dels cossos queer entra a l’instrument de ceràmica sense gènere per reubicar l’espai fluid de Temahahoi a través del so.
Pswagi Temahahoi, 2022
Mitjà: Single Channel Video
Duració: 12’00”
Edició: 1/4
EN COL·LABORACIÓ AMB
